¿Cómo definirías tu estilo?
Mi estilo se basa en lo etéreo. Siempre busco composiciones ligeras y llenas de movimiento, pero también delicadas. No busco bordes abruptos ni ásperos, busco continuidad, que la mirada recorra el arreglo desde el centro hacia la derecha y hacia la izquierda… Quiero que se sienta como una historia; la narrativa es importante, con un principio, un nudo y un final que te atraiga. Por eso uso muchas flores pequeñas y texturas… todo para crear esa sensación de algo no solo romántico y femenino, sino verdaderamente etéreo.
¿Y qué hay de la narración? ¿Es algo que incluyes en tu enseñanza ahora? ¿Lo trabajas con tus alumnos?
Sí, abordo la narrativa más desde la perspectiva, la forma en que piensas en tu diseño incluso antes de empezar. Piensa antes de actuar. Ten clara tu intención. ¿Qué queremos transmitir? ¿Estamos comunicando algo completamente blanco? ¿Un toque más moderno? ¿Algo alegre, romántico o quizás más sutil? Para mí, la narrativa empieza ahí mismo, en ese primer vistazo al diseño. Porque sin esa perspectiva, ni siquiera puedes elegir las flores adecuadas para construir la historia, ¿verdad? Necesitas esa visión para contarla.
«Quiero que la gente se sienta confundida. Quiero que vean mi obra y se pregunten: ¿Cómo lo hizo? ¿Qué hay detrás de esa flor? Quiero que cuestionen el arreglo.»
¿Qué espera que la gente se lleve de sus talleres?
Quiero que la gente salga de mis talleres con la capacidad de crear su propia versión del estilo que enseño. Espero que se vayan con herramientas reales para diseñar con espacio, con espacio negativo, y sobre todo, que entiendan el método para lograrlo. Ese es siempre mi objetivo: no solo crear algo hermoso, sino enseñar los pasos que conducen a ese tipo de composición. Así, cada uno puede desarrollar su propio estilo. «Esta parte me funciona» o «Lo haré a mi manera». Y eso es lo que considero más importante: no copiarlo exactamente, sino usar las técnicas como base para impulsar su propia creatividad, su propia voz como diseñadores.
¿Crees que la voz se adquiere con el tiempo y la práctica o también se puede aprender a través de la educación?
Para mí, es una mezcla de ambas. Los cursos te permiten absorber fragmentos de diferentes lugares, y eso te ayuda a empezar a construir tu propia voz. Pero creo que solo con la práctica, el contacto, la experimentación, los errores y el reinicio, encuentras tu propia forma de crear. Así fue para mí: una y otra vez: hacía algo, lo deshacía, tomaba una foto, no me gustaba, lo cambiaba y lo volvía a intentar. Era una práctica constante. Y en algún momento de ese proceso, tu estilo personal empieza a manifestarse.
¿Dónde ves el mayor valor en la educación floral? ¿Qué hace que espacios como Madrid Blooms sean especiales, tanto para ti como para tus alumnos?
El mayor valor reside en aprender las bases, cómo enseñar, cómo empezar. Esa es la parte más difícil de todas. Siempre me ha costado esa pregunta: ¿Por dónde empiezo? Estudiar en lugares como MADRID BLOOMS o en Nueva York ayuda a despejar esa incertidumbre. Te da un camino claro para empezar. A partir de ahí, creas tu propio camino. Pero sin esa base, intentar hacerlo solo o simplemente ver vídeos de YouTube es realmente difícil. No hay nada como tener a alguien delante, observando lo que haces y diciéndote: «Mira, esto no está mal, pero aquí tienes por qué no funciona, intenta ajustarlo». Eso marca la diferencia. Lo peor es cuando la gente simplemente dice «sí» a todo. Quiero aprender, pero quiero a alguien que me diga la verdad.
¿Qué es lo que más te gusta de enseñar?
Sinceramente, me encanta todo. Disfruto conociendo gente nueva, observando el proceso de cada uno. Me fascina cuando alguien llega abrumado o inseguro y termina creando algo de lo que se siente orgulloso. Para mí, no hay nada como eso, bueno, ¡quizás excepto mis hijos! Pero ver a alguien lograr lo que se propuso y poder decir: «Lo hice con mis propias manos y ahora puedo hacer más», me llena de alegría.
¿Hubo algún proyecto o boda en particular que marcó un punto de inflexión en tu carrera?
Creo que no fue una boda exactamente, pero quizás fue un momento en el que gané confianza en lo que hacía. Fue cuando hice una sesión de fotos para mi marca. Ahorré mucho, invertí todo lo que pude, alquilé un lugar, me asocié con un organizador de bodas que me ayudó con los detalles, la vajilla, la organización, todo. Colaboramos para crear una escena completa. Pero todo se hizo a mi estilo, con los colores de mi marca, mi visión. Por primera vez, yo estaba a cargo de todo. Todos estaban trabajando en mi idea. Y ese fue el momento en que pensé: «Sí, puedo hacerlo. Lo que veo en mi cabeza, puedo hacerlo realidad». Y la gente respondió muy bien. Con esas imágenes, creé una nueva página web. Fue entonces cuando los organizadores comenzaron a contactarme. A partir de ahí, el trabajo comenzó a fluir y, con cada boda, surgieron más oportunidades.
¿Qué inspira tu estética?
La naturaleza, especialmente su lado femenino, es mi mayor fuente de inspiración. Siempre busco esa suavidad en mis diseños. Por ejemplo, me encanta la delicadeza del jazmín, con sus diminutos rizos y sus sutiles detalles. Presto mucha atención a esos detalles. También me inspira mucho el crecimiento de los árboles: cómo una rama se convierte en la línea principal y otra se extiende ligeramente hacia la derecha. Estudio esos troncos y las estructuras naturales para inspirar mis arreglos.
¿Dónde encuentras inspiración a la hora de elegir tus paletas de colores?
El color también me viene de la naturaleza. A veces me fijo en pequeños detalles, como el interior de un tulipán naranja, que puede tener un centro violeta intenso y un toque de amarillo. Esa combinación puede ser espectacular. Me encanta inspirarme directamente en esos momentos naturales. También me fijo en la moda, especialmente en casas como Dior y Chanel, para ver qué colores usan los diseñadores en ropa e interiores. También presto atención a lo que está ocurriendo en pintura y diseño de espacios. Y cuando una novia me da libertad creativa, me gusta introducir un color de tendencia. Ese verde chartreuse suave está por todas partes ahora mismo y creo que está a punto de despegar aún más.
¿Ha habido algún proyecto reciente que haya sido especialmente significativo para ti?
El año pasado hicimos una boda verde y blanca, que no suele ser la combinación más emocionante para mí en cuanto a reto de color. Pero le añadí un toque de naranja y la novia me dejó usar flores muy interesantes como dalias, ranúnculos y anturios, esos llamativos y esculturales. Me encantó el contraste de algo tan intenso mezclado con elementos más suaves y con muchos pétalos. También usé muchas plantas, no solo flores, y las coloqué en recipientes de vidrio con la tierra y las piedras a la vista, todo sobre lechos de musgo. Nunca imaginé que quedaría tan bonito. La verdad es que quedé encantada con el resultado.
¿Podrías compartir algún consejo o sugerencia para alguien que comienza en la industria de bodas y eventos?
Algo que a veces olvido, pero que es fundamental, es llevar siempre recipientes extra. Si algo se rompe y estás a dos horas del lugar, el estrés es real. Lo mismo ocurre con los frascos, las velas y los candelabros: lleva dos o tres extras de todo. Nunca se sabe cuándo alguien podría decir que la mesa es más grande de lo esperado o querer añadir una nueva. Incluso habiendo confirmado cada detalle, los cambios ocurren. Y si tienes extras, puedes adaptarte sin pánico. Porque lo peor es que la novia sienta que no hiciste todo lo posible por arreglarlo. En ese momento, no es el lugar ni el organizador, eres tú. Tienes que ser quien soluciona el problema.
¿Incorporáis técnicas sostenibles en vuestras bodas?
Sí, siempre que puedo uso alambre y evito la espuma floral. Solo la uso si no hay otra opción, pero prefiero trabajar con agua. No solo es mejor para el medio ambiente, sino que a las flores les gusta más el agua. Con la espuma, una vez que haces un agujero, empieza a descomponerse y eso crea toda una serie de problemas. Creo que es genial que haya espacios donde se discutan estas técnicas. Y creo que si alguien está empezando y aprende a trabajar sin espuma desde el principio, le irá mucho mejor. A veces, la gente que empieza con espuma viene a mis clases y les cuesta entender técnicas como las ranas de alfiler o el uso de alambre porque todo se mueve. Y sí, se mueve, pero eso es parte de ello, y esa es la belleza. Si una flor no quiere estar en un sitio determinado, déjala ir. Me encanta la idea de que las flores tengan personalidad propia.
Cuando la gente vea tu trabajo, sea cual sea, ¿qué quieres que sientan?
Mi respuesta puede sonar un poco extraña, pero aquí está el porqué. Quiero que la gente se sienta confundida. Quiero que vean mi trabajo y piensen, ¿cómo hizo eso? ¿Qué hay detrás de esa flor? Quiero que cuestionen el arreglo, porque si pueden entenderlo en un segundo, para mí eso significa que no es un buen diseño, que no alcancé mi objetivo. Podría ser muy simple, pero si la línea es interesante y despierta curiosidad, si les hace preguntar cosas como, ¿eso es un clavel? ¿Qué es eso? Ese siempre es mi objetivo. Incluso con un ramo de novia, quiero que lo miren y digan, ¿qué hay en el centro? ¿Qué es eso? ¿Y ese verde? Quiero algo que los atraiga, para que no puedan verlo solo una vez y olvidarlo, para que se quede con ellos.
