¿Cómo empezaste en el diseño floral?
Fue casi por casualidad. Me mudé a Madrid para cursar un Máster en Diseño Empresarial y Sostenible en el IED, que no tenía nada que ver con flores. Siempre he estado rodeada de fotografía, diseño y arte gracias a mi familia; mis padres están muy involucrados en el mundo de las antigüedades y el diseño italiano. Cuando empecé a trabajar, no sabía nada de flores. Buscaba un trabajo de fin de semana para aprender español cuando me encontré con una revista que me gustó mucho, Kinfolk, y descubrí el estudio floral de Elizabeth Blumen. Tenía un estilo muy inglés, ligeramente decadente, algo nuevo para mí. En Italia, el diseño floral no estaba tan desarrollado. Me encantó la estética del estudio, así que envié un correo electrónico preguntando si necesitaban ayuda. Un día, recibí una respuesta diciendo que buscaban personal. Me ofreció un curso de formación y aprendí lo básico con ella. Durante el día, hacía el máster y por las tardes, aprendía sobre flores. Entonces me enamoré del trabajo, especialmente del lado expresivo de las flores, más que de las flores en sí. Me fascinó el significado que tenían para los clientes y el lado artístico, conectado a la cultura y la tradición.
¿Qué te llevó a empezar a enseñar?
Todo empezó con LOEWE Flores. Elizabeth Blumen fue la encargada de abrir la tienda y me recomendó. Estuve allí tres años, pero también me dedicaba a los mercados de flores y trabajaba como freelance: asistía al Festival Flora, hacía bodas, editoriales… Me enamoré del mundo floral madrileño. Después, empecé a dar clases. Como estábamos en la entrada del edificio, en la tienda, la gente nos veía a menudo haciendo ramos y quería aprender. Así que empecé a ofrecer cursos para clientes de LOEWE, y más tarde para otros. Ese fue mi primer paso en la docencia. Después de tres o cuatro años, sentí que ya lo había experimentado todo en Madrid. Empecé a buscar trabajo en el extranjero y encontré la London Flower School. Al llegar, me enamoré del lugar y la directora me ofreció un puesto como profesora. Fue una experiencia maravillosa porque me permitió desarrollar mi propio estilo.
«Quiero que haya una reacción, pero no una que sea disruptiva; algo orgánico que se fusione con el entorno.»
¿Cuál es tu estilo característico al diseñar con flores?
Depende un poco de la temporada, ya que mi estilo ha evolucionado mucho en los últimos años. Ahora mismo, diría que la elección de los materiales es muy importante para mí; no mezclo demasiados, prefiero seleccionar unos pocos. También le doy mucha importancia estética a cada uno de ellos. Tiendo a crear grupos de flores distintos para que la esencia de cada material destaque en el diseño. Además, las formas y las líneas juegan un papel crucial. Cuando hago instalaciones, ya sean grandes o pequeñas, las abordo de una manera muy fotográfica. Es como crear una fotografía dentro de un marco, con el arreglo como parte de ese marco. Siempre uso frutas, verduras, accesorios u otros materiales. Utilizo los elementos florales para complementar el espacio. Pienso mucho en la composición, y si el espacio que la rodea no es el adecuado, me resulta más difícil. Necesito tener una historia clara detrás.
¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración?
Durante mucho tiempo, la comida ha sido una gran inspiración para mí. De hecho, hubo épocas en las que disfrutaba más haciendo arreglos florales que con comida, pero ahora he vuelto a las flores. Mi fuente de inspiración está fuertemente ligada a la tradición. Por ejemplo, en las bodas, me encanta observar lo que se hacía en el pasado. Me apasiona ver, históricamente, qué ha sucedido en cada siglo con el arte floral. Hay estéticas muy diferentes que cambian con el tiempo y están profundamente conectadas con lo que sucedía en la sociedad. Esto me inspira mucho. Si un proyecto está relacionado con un lugar con una referencia histórica, investigo cómo se usaban las flores cuando se fundó ese lugar. Si tengo una ubicación industrial, intento hacer algo que trascienda el edificio. Podría decirse que mi inspiración está más conectada con la historia del arte floral, la tradición y la artesanía de cada lugar donde trabajo.
¿Cuál ha sido la lección más importante de tu carrera?
Todos llevamos algo creativo dentro. No es cierto que algunas personas sean creativas y otras no. Todos tenemos algo dentro que se puede cultivar tanto con medios prácticos como creativos. Algunos necesitan más práctica para descubrirlo, mientras que para otros es una parte esencial. Hay momentos en los que tengo muchísimas ideas y mi estilo se desarrolla con coherencia, pero también hay momentos en los que me siento como en un desierto árido. He aprendido que, para desarrollar mi estilo y creatividad, necesito experimentar y darme tiempo para probar cosas nuevas. A menudo miro fotos de alguien cuyo trabajo me gusta e intento hacerlo mío. Si veo que funciona, sigo adelante. Si no me tomo el tiempo de observar los detalles y probar cosas nuevas, mi trabajo no evolucionará.
¿Hay alguna tendencia emergente o técnica innovadora que le parezca particularmente interesante?
No creo que sean tanto las técnicas innovadoras lo que me entusiasma, sino más bien las técnicas de países que no he visitado. Por ejemplo, el trabajo con bambú en Asia, o el trabajo con hojas en Tailandia e Indonesia… son cosas que no sé hacer, pero me encantaría experimentar con ellas. Necesito tomar cursos para aprender más. En Japón, por ejemplo, tomaría un curso sobre estructuras de bambú. Lo que más me entusiasma son las técnicas artesanales de países lejanos a Europa. Hay cosas que quizás no consideremos parte del arte floral, como la técnica de la cestería, y es algo que me encantaría incorporar al arte floral.
¿Qué prácticas sustentables incorporas en tu trabajo diario como diseñadora floral?
No uso espuma floral, que es bastante común hoy en día. En Inglaterra, la mayoría de los diseñadores no la usan. Me acostumbré tanto a no usarla que me cuesta volver atrás. Mis diseños se basan más en malla de gallinero o kenzan. Además, en cuanto a la sostenibilidad, me encanta usar flores de granjas locales; son estéticamente preciosas, y hay granjas increíbles aquí en Inglaterra. También uso flores de temporada porque cualquier cosa que aporte valor a la sostenibilidad, creo que le añade valor al trabajo en sí. Usar flores de temporada le da más significado y propósito al arreglo, y es más sostenible. Usar malla de gallinero o kenzan también da un mejor resultado estético. No entiendo por qué la sostenibilidad no está más de moda, sobre todo desde un punto de vista estético. Creo que el resultado final es de mejor calidad.
¿Qué quieres que la gente sienta cuando vea tu trabajo?
Es bastante obvio, pero quiero que se sientan bien. Quiero que se sienta como algo muy esencial, conectado con la belleza que todos llevamos dentro. No quiero necesariamente que lo que hago sea «bonito» en el sentido más superficial de la palabra; no me interesa hacer algo simplemente «bonito». Tiene que ser algo que impacte. Quiero que haya una reacción, pero no una que sea disruptiva, sino algo orgánico que se integre con el entorno, que forme parte de la experiencia que la gente está viviendo en ese momento. No quiero crear una experiencia aislada; quiero que las flores complementen lo que ya está sucediendo.
FOTOGRAFÍA DE FACIBENI PHOTOGRAPHY
