PHKA se define como anti-disciplinar más que como multidisciplinar. ¿Cuál es la diferencia?
Viene de cómo estamos formados. Ahora somos 30 y cada uno llegó desde otro lugar: yo venía del paisajismo, Poy del diseño de interiores, otros del textil, incluso del arte político. Para trabajar juntos, cada uno tiene que soltar una parte de su identidad. Así que no se trata de fusionar disciplinas, se parece más a dejar de lado lo que uno sabe y hacer algo que queda en el medio. Lo que también significa que lo que hacemos no se puede encasillar. No es floristería, no es diseño floral, caemos en algún punto intermedio, y siempre fue así.
¿Cómo deciden qué disciplina lidera un proyecto?
Depende del cliente, trabajamos a partir de sus necesidades, del brief, del presupuesto. En una boda se empieza por la pareja. Con una marca depende. ¿Es un desfile? ¿Una presentación? ¿Un pop-up con apenas unas flores? El brief marca los criterios y a partir de ahí los desarrollamos.
Su trabajo es inconfundiblemente PHKA. ¿Cómo construyeron una estética tan reconocible?
No creo que tengamos un estilo propio, no somos consistentes en ese sentido. Lo que nos hace distintos es que somos un colectivo, así que todo es una mezcla de todos nosotros, y eso aparece en cómo concebimos un proyecto más que en un look. Mantener la consistencia es el verdadero desafío, sobre todo después de más de diez años. Las tendencias no paran de llegar. Hace un año o dos todo el mundo usaba fruta. ¿Sigues eso y lo haces también, o lo ignoras por completo y no tocas la fruta nunca? Hay que encontrar el equilibrio y ser fiel a lo que a uno le importa. No seguir la tendencia, no imitar a nadie. Eso es lo que tenemos presente, y así la identidad se desarrolla sola.
¿Hubo un proyecto que lo cambió todo para PHKA?
Sí, en 2018. Empezamos el estudio en 2013, así que fue cinco años después. Esos primeros cinco años fueron todo trabajo comercial y bodas, sobre todo en Bangkok, y faltaba algo. Lo que queríamos desde el principio eran flores en un espacio, capaces de transformarlo, algo que nadie hubiera hecho antes, abierto para que cualquiera pudiera ir a verlo con sus propios ojos y no solo un grupo reducido. Así que hicimos una instalación pública por nuestra cuenta, se llamó Abandoned One, la de los anturios rojos. No había presupuesto, así que invertimos todo y lo hicimos nosotros mismos. Se volvió viral, todo el mundo la vio. Nos llevó a un libro de diseño de Phaidon, y creo que es parte de lo que con el tiempo nos llevó a Flora. Significa mucho para mí. Incluso tengo un tatuaje de esa instalación en el brazo.
«Cuando trabajamos en un proyecto, el 70% es pensar y el 30% es ejecutar.»
¿Qué inspira el trabajo?
Todo lo que tenga que ver con el espacio y el entorno. La arquitectura, el interiorismo, el paisaje. La moda, las bellas artes, el arte contemporáneo. Y las estaciones, que es algo nuevo para nosotros. En Bangkok las estaciones apenas se notan. El verde sigue verde todo el año. Desde que nos mudamos a París lo vemos de otra manera. La mimosa era mimosa, nada más. Aquí, al final del invierno, cuando el clima se templa un poco, aparecen unos puntitos amarillos que apenas empiezan a abrir, y sientes que la primavera está llegando. Se convierte en algo completamente distinto, no solo en un material que usamos.
¿Nos pueden contar sobre un proyecto reciente que hayan disfrutado?
Un taller que hicimos a principios de este año en Shanghái, llamado Silence. Fue nuestro primer taller centrado solo en bodas y el primero en China. Planteamos el contexto, la ceremonia china del té, llevamos utilería y materiales, y después dejamos que cada participante hiciera su propia versión. La parte que más disfruto es el intercambio cultural. No nos gusta mucho la palabra enseñar, no somos maestros ni expertos en nada de esto. Tenemos experiencia y eso es lo que compartimos: cómo concebimos un proyecto, cómo lo desarrollamos, cómo lo ejecutamos, pero no tanto la técnica. Y recibimos lo mismo a cambio, aprendemos algo de los participantes cada vez, y ellos aprenden tanto entre sí como de nosotros.
¿Qué significado carga el material?
Elegir el material es una parte enorme del trabajo y le dedicamos mucho tiempo. Dentro de un mismo proyecto los materiales cumplen funciones distintas. Algún material barato para llenar volumen. Algún material bello, las flores, como punto culminante. Y después el material que define el concepto y la dirección, que a veces lleva también un significado detrás. En un proyecto puede ser solo anturio, y entonces tiene que ser anturio, nada más. Lo ideal es que además sea local. Si un proyecto ocurre en Tailandia no hay razón para que todo venga de los Países Bajos.
Trabajar con material local es una de las cosas más sostenibles que puede hacer un florista. ¿Con qué otras prácticas sostenibles trabajan?
Nada de espuma floral, cero. Para las mecánicas usamos siempre estructuras reutilizables o hechas por nosotros. Acabamos de comprar la estructura reutilizable de Florésie. Cuando las usamos con malla de gallinero y tubos de agua, reutilizamos también las pipetas. Las flores en sí normalmente solo se pueden usar una vez, así que la pregunta es qué más se puede salvar. A veces trabajamos con plantas o árboles todavía en tierra, con sus raíces, y después vuelven al estudio.
¿Qué les gustaría que alguien se llevara de su taller en MADRID BLOOMS?
Nuestro trabajo trata sobre todo de cómo concebimos una pieza y de cómo la realizamos después. Cuando trabajamos en un proyecto, el 70% es pensar y el 30% es ejecutar. Así que espero que los participantes vean todo ese proceso, desde el inicio hasta el proyecto terminado que ya vieron en la web o en nuestro Instagram.
¿Cuál creen que es la parte más valiosa de un espacio como MADRID BLOOMS?
Es un tipo de lugar distinto. Hay instituciones que te forman como corresponde, escuelas de floristería donde aprendes las reglas: cómo acondicionar una flor, cómo levantar un cubo sin lastimarte la espalda. Muy práctico y muy útil. MADRID BLOOMS hace otra cosa. Reúne a creativos destacados de todo el mundo, en esta edición de México, Corea del Sur y España, y cada uno mira el material de una forma distinta. Gabriela Sagarminaga, por ejemplo, trabaja con su propio material y lo ve de una manera que no se parece en nada a la nuestra. Esa diferencia es justamente el punto. Todos intercambian cómo ven el material y cómo abordan sus propios proyectos, y en tres días eso son muchísimas perspectivas.
Cuando alguien ve su trabajo, ¿qué quieren que sienta?
Todo florista quiere que su trabajo sea bello. Más allá de eso, como nuestro trabajo tiene que ver con el espacio y el entorno, siempre vuelvo a un marco de Rachel y Stephen Kaplan sobre la experiencia de la naturaleza. Tiene cuatro cualidades: coherencia, complejidad, legibilidad y misterio. La coherencia significa que tiene sentido. Desde el primer momento entiendes qué estás viendo. La complejidad es el nivel justo de detalle, algo que te sigue dando más cuando lo miras de cerca. La legibilidad importa sobre todo en escenografía, cuando hay una serie de escenas para recorrer. Funciona como una película: acto uno, acto dos, la tensión antes del clímax. Y el misterio, que para nosotros es el que de verdad cuenta. No necesitan entenderlo. Solo piensan: ¿qué es eso? Nunca vi nada parecido. Intentamos tener las cuatro. A veces solo llegamos a tres, y entonces está bien, pero no lo suficiente.